Textes

Rosalinde est une pièce dont il serait imprudent de révéler les secrets. Disons simplement que deux dames d’âges mûrs, Mme Page et Mme Quickly, prennent tranquillement le thé dans un cottage en bord de mer. Arrive soudain Charles, un jeune homme trempé par une averse qui, par le plus grand des hasards, se trouve être amoureux de Béatrice, la fille de Mme Page. Cette célèbre actrice londonienne s’est notamment illustrée dans le rôle de Rosalinde, une jeune femme déguisée en homme, dans la comédie Comme il vous plaira de Shakespeare.
Commence alors entre Charles et Mme Page une passe d’armes étincelante, où le réel se confronte au faux-semblant, les émotions sincères aux émotions mises en scène et les ravages du temps à l’éternelle jeunesse des personnages. Un chant d’amour au théâtre et à la magie des actrices.

Quand la troupe des pionniers (une organisation militaire chargée de créer des infrastructures, comme des routes ou des ponts) vient s’installer dans la ville d’Ingolstadt, c’est l’effervescence parmi la population, et surtout parmi les jeunes filles. Alma et Berta sont deux amies qui ont une conception très différente de la vie. Alma est pragmatique, expérimentée, et elle n’hésite pas à utiliser à son profit l’attrait qu’elle exerce sur les hommes. Berta est au contraire idéaliste et inexpérimentée, à la recherche du grand amour…
Marieluise Fleisser a 28 ans quand parait sa deuxième pièce, dans laquelle elle décrit sans fard les relations entre les filles et les soldats de passage :: humiliations, désillusions, amertume. La langue de Fleisser, rêche, lapidaire, sans fioritures ni compromis, inspirera la génération des Fassbinder, Sperr ou Krœtz et plus tard Elfriede Jelinek.

Dans la Norvège du XIIIe siècle écartelée en différentes factions, deux hommes se disputent la couronne royale : le jeune Håkon, persuadé d’être l’héritier légitime du trône, et son beau-père Skule, ambitieux, capable, mais ravagé par le doute. Quant à l’évêque Nicolas, il attise leur haine afin de conserver pour lui le véritable pouvoir.
Dans ce drame aux proportions gigantesques, nous retrouvons les grandes passions qui hantent Macbeth, Othello ou le Wallenstein de Schiller : l’ambition et le doute, qui mènent à la destruction finale. Les monologues de Skule sont parmi les plus profonds jamais écrits par Ibsen, préfigurant ceux de Peer Gynt.
Les Prétendants à la Couronne a été créé au Théâtre de Christiana (ancien nom d’Oslo) le 19 janvier 1864 et figure en Norvège parmi les pièces préférées d’Ibsen. Elle n’a pas encore été représentée en France.

La Deuxième Guerre mondiale n’a pas encore commencé. Des milliers de Juifs essayent de fuir l’Allemagne et les persécutions en embarquant à Hambourg sur le paquebot St. Louis, direction Cuba, où ils espèrent débarquer et trouver refuge. Malheureusement, ils vont se retrouver mêlés à des enjeux de pouvoir et de corruption qui les dépassent et qui vont reléguer les impératifs humanitaires au second plan.
Tous les personnages de ce périple ont vraiment existé et l’aventure du St. Louis est historique et parfaitement documentée. Mais la pièce est loin d’être seulement une leçon d’histoire. C’est aussi une fable universelle sur le sort des migrants et des persécutés de toutes les époques et de toutes les nationalités, confrontés à des dirigeants, des Etats et des organisations qui ont leurs propres priorités.

Dorian Gray est un jeune aristocrate anglais extrêmement beau. Son portrait, peint par Basil Hallward, attire immédiatement l’attention de Lord Henry, qui tient absolument à rencontrer le jeune homme. La philosophie de Lord Henry, loin des normes sociales et morales strictes qui caractérisent l’époque victorienne, prônant l’individualisme et l’hédonisme, fascine Dorian. Peu à peu, le jeune homme décide de ne vivre que pour lui-même et son seul plaisir, même si cela implique de faire du mal à d’autres. Son visage, qui devrait être marqué par ses excès, reste cependant immaculé. Son portrait en revanche…
John Osborne adapte ici le célèbre roman d’Oscar Wilde. Osborne est séduit par la philosophie de Lord Henry et la manière dont Dorian Gray est déterminé à la vivre pleinement, même au risque de perdre son humanité. Ne dit-il dans la pièce : « Je refuse d’être à la merci de mes émotions. Je veux m’en servir, en jouir et les dominer. » ? Cette pièce n’a rien perdu de sa pertinence, résonnant de façon étonnante avec l’importance accordée aujourd’hui au moi, comme à notre obsession pour l’image et la jeunesse éternelle.
Le Portrait de Dorian Gray a été créée au Greenwich Theatre, à Londres, en février 1975.

Le Petit Eyolf, dont l’évènement majeur est la mort accidentelle d’un enfant, est paradoxalement l’une des pièces les plus optimistes d’Ibsen. Dans Le Canard Sauvage, la révélation des mensonges et des faux-semblants de la vie des adultes provoque à la fin de la pièce la mort de la jeune Hedvig. Ici, tout à l’opposé, c’est la mort du Petit Eyolf au début de la pièce qui libère la parole des adultes. Les dialogues sont d’une rare intensité et chacun plonge au fond de lui-même pour exprimer les vérités les plus profondément enfouies et pour aboutir, finalement, à une sorte de rédemption, ou tout du moins un espoir de rédemption.
La pièce a été créée en norvégien le 3 décembre 1894 au Haymarket Theatre de Londres et en France, dans une mise en scène de Lugné-Poe, le 8 mai 1895.

La Demoiselle du Royaume des Fées ou Le Paysan Millionnaire est une féérie romantique qui a été créée le 10 novembre 1826 au Theater in der Leopoldstadt de Vienne. Le personnage du paysan devenu millionnaire et qui n’en est pas plus heureux pour autant a tellement plu au public, que ce qui n’était au départ qu’un sous-titre, est devenu le titre par lequel tout Autrichien connait la pièce, aujourd’hui comme au temps de sa création.
Ferdinand Raimund (1790-1836) est un comédien et auteur dramatique qui, avec son successeur Johann Nestroy, est aussi célèbre et joué en Autriche que le sont Eugène Labiche et Georges Feydeau en France. Raimund élève la «féerie», issue de la tradition populaire viennoise, au rang de genre littéraire ;: les fées et les bons génies imposent des épreuves aux personnages et les libèrent de leurs travers, de la cupidité, de l’envie ou de la bêtise. Ce genre théâtral, qui n’a pas d’équivalent en France, mêle le merveilleux, la farce, les chants et les danses de l’opérette avec la comédie de mœurs et la moralité allégorique héritée du théâtre baroque.

Benjamin Rubin est un vieil écrivain acariâtre en manque d’argent, amateur de whisky et de jolies femmes, qui a écrit son chef d’œuvre à 24 ans et depuis pas grand-chose. Il a été embauché par une fondation culturelle pour servir de mentor pendant une semaine à Martin Wegner, un jeune phénomène littéraire en pleine ascension, considéré par la critique comme « la voix de sa génération ». Ces deux egos démesurés vont-ils réussir à collaborer ou l’affrontement est-il inévitable ?
Loin d’être pédante, la pièce est au contraire très tonique et drôle, les dialogues sont étincelants et les enjeux entre les deux hommes, qui vont bien au-delà de la qualité littéraire de leur travail respectif, ne se révèlent que petit à petit, maintenant le lecteur et le spectateur en haleine jusqu’au bout.
Le Mentor a été créé en 2012 au Theater in der Josefstadt à Vienne dans une mise en scène de Herbert Föttinger et, dans sa version anglaise traduite par Christopher Hampton, en 2017 au Vaudeville Theater à Londres, dans une mise en scène de Laurence Boswell avec F. Murray Abraham dans le rôle de Benjamin Rubin.