Tous les cent ans, la fée Rosalinde offre des talismans aux pouvoirs magiques à un mortel : une baguette qui transforme tout ce qu’elle touche en or, un cor qui permet de convoquer une armée, une écharpe qui conduit son détenteur là où il le souhaite. Son choix se porte sur Bartholomé Mercurius, un jeune Viennois qui a fait naufrage sur une île enchantée. Celui-ci utilise les cadeaux avec maladresse, suscitant la curiosité du souverain local, le roi fainéant Tutu, et l’envie de sa fille Zoraïde, qui fera tout pour s’en emparer.
Le Charlatan sur l’Île Enchantée, créée le 18 décembre 1823 au Theater in der Leopoldstadt de Vienne, est la première des huit pièces de Raimund. Elle n’avait jamais été publiée auparavant en français.
Ferdinand Raimund (1790-1836) est un comédien et auteur dramatique qui, avec son successeur Johann Nestroy, est aussi célèbre et joué en Autriche que le sont Eugène Labiche et Georges Feydeau en France. Raimund élève la « féerie », issue de la tradition populaire viennoise, au rang de genre littéraire : les fées et les bons génies imposent des épreuves aux personnages et les libèrent de leurs travers, de la cupidité, de l’envie ou de la bêtise. Ce genre théâtral, qui n’a pas d’équivalent en France, mêle le merveilleux, la farce, les chants et les danses de l’opérette avec la comédie de mœurs et la moralité allégorique héritée du théâtre baroque.
Les Editions du Brigadier ont entrepris de traduire une quinzaine d’œuvres de Ferdinand Raimund et Johann Nestroy. Pour ce faire, elles ont rassemblé, autour de Henri Christophe qui coordonne la traduction, une équipe composée de Jean-Louis Besson, Catherine Creux, Marc Lacheny et Sylvie Muller.

Nous sommes en automne 1918, dans un hôpital psychiatrique au Canada, alors que la Première Guerre mondiale s’achève et que la pandémie de grippe espagnole éclate. Le lieutenant Dancock, décoré pour acte de bravoure, mais souffrant de psychose paranoïaque, a été interné de force et est toujours hanté par le spectre de la culpabilité. Sa rencontre avec l’énigmatique Dorothea, une jeune femme internée volontaire, lui redonnera-t-elle le goût de vivre ?
Survient alors l’épidémie de grippe espagnole, qui isole l’hôpital de tout soutien extérieur, et oblige chacun à assumer son devoir, au-delà des rôles établis. La Danse du Soldat est une grande pièce sur la rédemption, le courage, la solidarité et la résilience. La deuxième moitié de la pièce, décrivant la situation à l’hôpital pendant la pandémie, fait écho à d’autres situations de pandémie plus récentes…

Franz Werfel a donné comme sous-titre à sa pièce : Comédie d’une tragédie. Et c’est bien de cela qu’il s’agit : pendant qu’en juin 1940, la France s’effondre devant l’armée allemande, le colonel polonais Stjerbinski, son aide de camp Szabuniewicz, sa maîtresse française Marianne et Jacobovski, un juif allemand, se dirigent de Paris vers Bayonne pour tenter de rejoindre Londres. Stjerbinski est hautain et ouvertement antisémite, mais c’est Jacobovski qui, grâce à ses qualités humaines et sa débrouillardise, a maintenu jusqu’à présent le petit groupe en vie…
Ecrite entre 1941 et 1942, inspirée des souvenirs personnels de Franz Werfel pendant sa fuite vers l’Espagne en 1940, cette pièce, la dernière de l’auteur, a été créée le 14 mars 1944 au Martin Beck Theatre à New York. La première représentation en langue allemande a eu lieu le 17 octobre 1944 au Stadttheater de Bâle. Jouée au Hebbel-Theater à Berlin en 1947, la pièce a ensuite été adaptée au cinéma, à la télévision, à la radio et comme livret d’opéra.

Matt Denant, un ancien capitaine de l’armée, tue accidentellement un policier en civil lors d’une bagarre pour protéger une jeune prostituée. Il est condamné pour meurtre mais réussi à s’évader de son pénitencier. Commence alors une chasse à l’homme sans merci au cours de laquelle le héros rencontrera successivement des gens qui vont l’aider et d’autres qui ne vont pas l’aider, chacun pour de bonnes ou de mauvaises raisons, selon son expérience de la vie et aussi sa classe sociale.
Les questions que posent Galsworthy à propos de nos valeurs (justice, dignité, solidarité) et de comment nous les mettons en œuvre lorsque se présente un cas concret n’ont rien perdu de leur pertinence, depuis la création de la pièce le 12 août 1926, au Théâtre des Ambassadeurs à Londres.

Nous sommes en 1938. Charles et Dora Randolph fêtent leurs Noces d’Or et invitent à cette occasion tous leurs enfants et petits-enfants dans leur maison de campagne. La pièce dépeint ces retrouvailles et les relations entre les différents membres d’une grande famille, cette « chère pieuvre », aux tentacules desquelles on ne peut jamais vraiment échapper (mais le veut-on vraiment ?).
Si cette pièce est intemporelle et universelle, c’est qu’il y est question aussi de l’attitude de chacun face au temps qui passe, aux épreuves de la vie, aux réussites et aux échecs. Certains regrettent leur jeunesse, d’autres au contraire ont hâte de vieillir. Les personnages s’affrontent, bien sûr, mais avant tout, ils s’écoutent, se respectent et essayent de s’entraider, même maladroitement. Dans ce texte très agréable à lire, l’atmosphère est pleine de nostalgie, parfois grave, parfois légère. Il y a de fort belles scènes à deux, notamment entre Dora et sa fille « perdue » Cynthia ou entre Cynthia et Scrap, sa nièce orpheline. Il faut d’ailleurs noter, ce qui est assez rare, que les enfants y ont aussi de très beaux rôles.
La pièce a été créée en 1938 au Queen’s Theatre, à Londres, avec notamment John Gielgud, un des plus grands acteurs du théâtre britannique, dans le rôle de Nicholas.