L’action se déroule dans un hôpital. Claire Harrison, sculptrice de profession, est devenue tétraplégique à la suite d’un accident de voiture. En toute conscience, elle est déterminée à mettre fin à ses jours, mais ne peut évidemment le faire elle-même. Or, l’hôpital refuse de l’entendre, arguant qu’il s’agit d’une dépression post-traumatique qui s’estompera avec le temps. Claire n’a donc d’autre choix que de faire appel à la justice pour faire valoir son droit à mourir…
La problématique du suicide assisté est un sujet grave, voire insoutenable, mais grâce au talent de Brian Clark, la pièce baigne dans un climat d’humour, de tendresse et d’humanité. Elle ne fait pas tant appel à la compassion (même si certaines scènes sont très émouvantes), qu’à l’intelligence et à la compréhension. C’est finalement à chacun qu’il reviendra de décider, en son for intérieur, quel serait son choix le cas échéant.

Nous sommes en Angleterre, au début de la Deuxième Guerre mondiale. Le mari de Diana, Michael, militaire de carrière et député au parlement, a disparu en mer lors d’une mission. Diana, qui ne vivait que pour lui, voit sa vie bouleversée. Peu à peu, elle va se découvrir une liberté nouvelle et des possibilités d’action qui la motivent, en reprenant notamment le siège de député de son mari défunt. Mais, trois années plus tard, Michael réapparaît miraculeusement, épuisé, mais sain et sauf…
Cette pièce brosse un tableau très juste de la position de la femme dans la société britannique d’avant-guerre, y compris dans les classes supérieures. Elle parle aussi des espoirs, des combats et des changements auxquelles les femmes aspiraient alors, et que les bouleversements apportés par la guerre vont leur permettre de réaliser.
Daphné du Maurier (1907-1989) est une romancière et dramaturge britannique, mondialement célèbre pour ses romans Rebecca et Ma Cousine Rachel, ainsi que pour sa nouvelle Les Oiseaux, adaptée au cinéma par Alfred Hitchcock. Après avoir adapté elle-même Rebecca pour la scène, elle écrit le drame d’inspiration autobiographique The Years Between en 1943. La pièce a été jouée pour la première fois à l’Opéra de Manchester en 1944, puis elle a été transférée à Londres, au Wyndham’s Theatre, le 10 janvier 1945, avant de connaitre un succès durable, avec 617 représentations.

Sept personnages, tous très différents les uns des autres, se retrouvent dans le salon d’un paquebot en partance, sous le regard désabusé de Scrubby, le barman. Il y a Mme Cliveden-Banks, une vieille coquette vaniteuse, Lingley, un homme d’affaire implacable, Tom Prior, un jeune viveur alcoolique, Mme Midget, une femme du peuple assez fruste et William Duke, un jeune clergyman, sans parler de Henry et d’Anne, un mystérieux couple d’amoureux. Personne ne sait ce qui les a réunis, ni quelle est leur destination. Chacun d’entre eux finit par admettre qu’il est mort et qu’il est sur le point d’être jugé par un examinateur céleste.
Ce conte fantastique a été créé à Londres en 1923 sur la scène du Everyman Theatre et à Paris en 1926, dans la traduction de Paul Vérola, à la Comédie des Champs Elysées par la Compagnie Louis Jouvet, ce dernier jouant le rôle de Tom Prior et Michel Simon celui de l’examinateur céleste. La pièce est à la fois très bien construite, mais aussi déroutante, car elle mélange l’angoisse et l’humour, le drame et la comédie et se donne même le luxe d’un happy-end.

Kate, une ancienne infirmière, a épousé John Derwent, un jeune veuf appartenant à un milieu social bien supérieur au sien. Ils sont heureux ensemble malgré les réserves de la famille de John, jusqu’à ce que surgisse “l’ombre du doute” sur le passé de Kate. La question de la confiance entre les époux devient alors cruciale. Edith Wharton brosse ici un magnifique portrait de femme qui se bat pour conserver ce qui lui importe le plus, son estime de soi. Les personnages secondaires sont tout aussi convaincants, chacun défendant avec énergie et parfois avec humour son point de vue et ses valeurs. Une pièce dans la lignée de Maison de Poupée d’Ibsen ou d’Une Femme sans Importance d’Oscar Wilde, mais écrite par une femme.

L’Inconnue de la Seine était une figure très populaire à la fin du XIXe siècle. Une jeune femme non identifiée, dont on avait repêché le corps dans la Seine, affichait une expression tellement heureuse que son visage fut immortalisé sous forme de masque mortuaire. Ce moulage a rencontré un grand succès et a été reproduit de nombreuses fois, y compris sous forme de tirage photographique. Cette “Joconde de la Seine” et son sourire énigmatique ont inspiré de multiples légendes à de nombreux écrivains, de Rainer Maria Rilke en 1910 à Guillaume Musso en 2021, en passant par Maurice Blanchot (qui possédait un moulage), Louis-Ferdinand Céline, Louis Aragon et bien sûr Ödön von Horvath. Fasciné par cette légende, Horvath imagine quelles circonstances ont pu conduire cette jeune femme à accomplir son geste.

Sur une petite place dans un quartier de Vienne et dans la Forêt Viennoise, entre les deux guerres mondiales. Les hommes et les femmes qui vivent là chantent et boivent, s’aiment et se trompent, partagent leurs espoirs et leurs désillusions, se repoussent et parfois se pardonnent, pour le meilleur et pour le pire. Il y a Magiemag, le propriétaire d’une clinique de poupées, et sa fille Marianne, fiancée contre son gré à Oskar, son voisin boucher. Marianne est séduite par le bel Alfred, un jeune noble désargenté et bon-à-rien qui fréquentait auparavant chez la veuve Mathilde, la buraliste de la place, avant que celle-ci ne le remplace par Erich, le neveu de Magiemag. Le tout sous le regard goguenard du capitaine et de Havlitchek, l’assistant-boucher. Légendes de la Forêt Viennoise est, avec Casimir et Caroline, la pièce la plus célèbre de Horvath. Il en existe deux versions, assez différentes. La seconde que nous vous présentons ici, n’avait jamais été publiée auparavant en français. Elle est légèrement plus courte que la première version, mais surtout moins cruelle et avec une once d’espoir.

Kerry Shale, un acteur spécialisé dans les voix-off, reçois un soir un étrange appel téléphonique : “M. Shale, je vous appelle de la part de Stanley Kubrick, le réalisateur. […] Il s’agit d’être la voix de la bande-annonce de son nouveau film sur le Vietnam, Full Metal Jacket. […] Cela pourrait-il vous intéresser ?” Kerry est enthousiaste à l’idée de travailler pour Kubrick. Il pense que ce sera un enregistrement expédié en quelques heures, comme c’est la norme pour une bande-annonce, mais il se trompe lourdement car Kubrick soumet en permanence ses interlocuteurs à des tests, sur chaque détail… et sans jamais donner les règles du jeu. C’est le “Test de Kubrick.” Commence alors une épopée angoissante et férocement drôle, dans laquelle Kerry découvrira à ses dépends les méthodes de travail très particulières de Stanley Kubrick. La pièce repose sur une expérience vécue et a donc témoignage de premier rang. Mais nul ne sort indemne d’une rencontre avec un génie : Kerry Shale a donc attendu trente ans avant de nous livrer ce portrait d’un cinéaste qui ressemble étrangement à certains personnages de ses films…

A la fin des années 50, dans une station balnéaire anglaise oubliée de tous et alors que le music-hall traditionnel commence à battre de l’aile, Archie Rice, “l’amuseur”, continue à déverser sur un public clairsemé ses plaisanteries de mauvais goût, et cherche des expédients pour se relancer. Comme lui, les membres de sa famille se heurtent à l’écart entre la vie qu’ils auraient rêvée et celle qui leur est accessible, compte tenu de leur condition sociale et de leurs capacités. Chacun y réagit avec sa personnalité, mais régulièrement, leurs frustrations s’entrechoquent et ils se blessent, en dépit parfois d’un attachement réel. Tous seront, à un moment donné, confrontés à la vérité sur eux-mêmes. The Entertainer, publiée ici pour la première fois en français, a été créée en 1957 à Londres par Laurence Olivier, fasciné par le rôle d’Archie. Tony Richardson, qui avait mis en scène la création londonienne, a ensuite réalisé le film du même nom, toujours avec Laurence Olivier dans le rôle-titre. Ce dernier considérait le rôle d’Archie comme son plus grand rôle, “après Hamlet”.

Dans une ville industrielle du nord de l’Angleterre fortement frappée par la grande dépression des années 30, la famille Hardcastle essaie de survivre. Mais le chômage de masse et la pauvreté qui s’ensuit ont des effets destructeurs sur la famille, malgré les rêves d’une vie meilleure. Il est frappant de voir combien, à presque cent ans de distance, les enjeux sociaux de cette pièce, et notamment ce qu’elle nous dit des ravages d’un capitalisme non régulé et d’un système de protection sociale très restrictif, restent actuels. Love on the Dole a été sélectionné par le National Theater parmi les cent meilleures pièces anglaises du XXe siècle.