Dans une ville industrielle du nord de l’Angleterre fortement frappée par la grande dépression des années 30, la famille Hardcastle essaie de survivre. Mais le chômage de masse et la pauvreté qui s’ensuit ont des effets destructeurs sur la famille, malgré les rêves d’une vie meilleure. Il est frappant de voir combien, à presque cent ans de distance, les enjeux sociaux de cette pièce, et notamment ce qu’elle nous dit des ravages d’un capitalisme non régulé et d’un système de protection sociale très restrictif, restent actuels. Love on the Dole a été sélectionné par le National Theater parmi les cent meilleures pièces anglaises du XXe siècle.

Nous sommes en mars 1918, pendant la Première Guerre mondiale, dans une tranchée anglaise, non loin de Saint-Quentin. Stanhope, chef d’une compagnie d’infanterie, est unanimement reconnu comme un meneur d’hommes hors pair, mais les trois années qu’il a déjà passées au front l’ont profondément marqué. Alors que tous attendent une attaque allemande imminente, l’horreur et la futilité de la guerre se révèlent dans toute leur ampleur. Sans pathos, mais avec une grande sobriété de moyens, R. C. Sherriff nous livre ici son expérience du front, celle d’une poignée d’hommes qui n’aiment pas ce qu’ils font, mais qui ne songent pas non plus à se dérober aux responsabilités qu’ils assument. R. C. Sherriff (1896-1975) s’était engagé dans l’armée peu après le début de la Première Guerre mondiale et a servi en France comme capitaine. Après la guerre, son intérêt pour le théâtre amateur l’a conduit à écrire cette pièce basée sur ses souvenirs. Après avoir été refusée par de nombreux théâtres, Journey’s End a finalement été jouée, grâce au patronage de Bernard Shaw, par une troupe semi-amateur, avec un acteur inconnu de 21 ans dans le rôle de Stanhope : Laurence Olivier. La pièce a obtenu un énorme succès, été jouée dans le monde entier, et gagné le rang de classique dans le monde anglo-saxon. Elle figure aujourd’hui dans toutes les classements des meilleures pièces, que ce soit l’anthologie de Burn Mantle, ou les listes publiées par le National Theater, Entertainment Weekly ou WOS. Jouée très régulièrement et avec grand succès sur les scènes anglo-saxonnes, Journey’s End a gagné en 2007 à la fois le Tony Award et le Drama Desk Award de la meilleure reprise.

Jimmy Porter, un jeune homme brillant et cultivé issu de la classe ouvrière, a épousé Alison, une jeune femme d’origine bourgeoise. Il est déçu par la médiocrité de sa vie et déverse, à longueur de journée, sa rage et son dégoût de l’époque sur son épouse. Leur ami Cliff, qui vit avec eux, essaie de faire baisser la tension, tout comme Héléna, amie de passage, qui incite Alison à se révolter ou à quitter Jimmy. Lors de la création de la pièce en 1956, certains spectateurs ont été choqués par la brutalité du verbe haut de Jimmy , d’où transpire une critique sociale sans concession ; d’autres ont vu en Jimmy Porter le porte-parole des contestations et revendications légitimes d’une jeunesse anglaise remettant en cause l’ordre établi et les conventions. En ce début de XXIe siècle, nous pouvons également jeter un autre regard sur ce personnage attachant et rebutant : celui d’un homme violent, qui harcèle son épouse et la maintient sous son emprise. Il se dit victime, mais est un bourreau. Cette pièce n’en devient alors que plus passionnante, complexe et actuelle.

La jeune Elisabeth se rend au laboratoire d’anatomie afin de vendre son corps. Elle précise : “On m’a dit qu’ici, on pouvait vendre son corps. Absolument. Je veux dire que, quand je serai morte, ces messieurs pourront faire de mon cadavre ce qu’ils voudront, au profit de la science… Sauf que je toucherai l’argent tout de suite. Maintenant.” Ainsi commence cette pièce, sous-titrée par Horvath : Une petite dans de mort en cinq tableaux. Et pourtant, la Foi, l’Amour et l’Espérance sont tenaces…

Pendant la Deuxième Guerre mondiale, la chanteuse et pianiste parisienne Fania Fénelon est arrêtée par les nazis et envoyée dans le camp d’extermination d’Auschwitz. Elle se retrouve presque malgré elle dans un orchestre, composé entièrement de prisonnières, créé par les commandants SS du camp. Tant que l’orchestre trouve grâce à leurs yeux, ses membres sont épargnés. Les musiciennes jouent donc littéralement pour gagner du temps, pour rester en vie… Cette pièce s’inscrit dans la lignée des autres pièces de Miller (Les Sorcières de Salem, Incident à Vichy, Le Miroir, …) qui mettent en scène la lutte de l’individu pour conserver un sens moral face à des événements qui le dépassent et le forcent à choisir, chacun réagissant différemment à la situation qui est la sienne, comme aux atrocités dont il est témoin. Arthur Miller s’est inspiré des mémoires de Fania Fénelon, parues en 1976 chez Opera Mundi à Paris sous le titre Sursis pour l’Orchestre. Filmée à l’origine pour la télévision avec Vanessa Redgrave dans le rôle principal, la pièce a été adaptée pour la scène par Arthur Miller lui-même. C’est cette adaptation que nous publions.

Ecoutons Horvath parler de sa pièce : “Je me suis autorisé à peindre un Don Juan de notre époque, celle de la grande période de l’inflation 1919-1923, à un moment donc où, au sens le plus banal du terme, toutes les valeurs ont été bousculées. Chaque individu change en son for intérieur, suite aux catastrophes qui adviennent à l’ensemble des gens. Ainsi, Don Juan lui aussi revient de guerre et croit être devenu un autre. Il restera pourtant celui qu’il était. Il ne peut pas faire autrement. Il n’échappera pas aux femmes. Il est le grand séducteur toujours séduit par les femmes. Toutes lui succombent, mais – et c’est peut-être là l’essentiel – il n’est aimé d’aucune. C’est pourquoi cette pièce ne contient aucune scène d’amour.”

Casimir et Caroline sont deux jeunes gens amoureux l’un de l’autre, qui se rendent à une fête foraine pour passer un bon moment ensemble. Mais nous sommes en 1930 à Munich, la crise économique frappe l’Allemagne de plein fouet et Casimir, jusqu’à présent épargné, se retrouve brusquement sans emploi. Il est donc de mauvaise humeur alors que Caroline souhaite s’amuser. Ils se disputent, se séparent et parcourent ensuite la fête séparément. Casimir et Caroline rencontrent chacun divers personnages et diverses tentations, ce qui les amène à s’interroger sur leurs valeurs profondes et ce qu’ils attendent de la vie. Ces questions sont toujours d’actualité.

Nous sommes à Vienne, autour de 1900, à l’Institut Elisabeth, une clinique créée avec succès par le professeur Bernhardi, juif, libéral et libre-penseur, ce qui suscite bien entendu toutes sortes de jalousies. Un conflit apparemment mineur avec un curé auquel Bernhardi refuse l’accès à une malade mourante servira de prétexte à ses adversaires pour mener contre lui une attaque fulgurante. Cette nouvelle version resserrée du grand chef d’oeuvre de Schnitzler se concentre sur l’action principale et donne au texte plus de densité et de vigueur.